Continua anche questo mese “CineClassica”, la rubrica di Amicinema che vi racconta i collegamenti stretti tra il cinema e il mondo della musica classica e lirica.

Oggi parliamo di una delle opere classiche più famose e più belle di sempre: Le Variazioni Goldberg.

Le Variazioni Goldberg sono un’opera per clavicembalo che consiste in un’aria con trenta variazioni, composte da Johann Sebastian Bach fra il 1741 e il 1745.

Secondo Forkel, il primo biografo di Bach, quest’opera sarebbe stata commissionata a Bach da Hermann von Keyserlingk perché fosse suonata dal suo protetto, il quindicenne Johann Gottlieb Goldberg (a quel tempo in servizio come maestro di cappella a Dresda), per conciliargli il sonno. Anche se qualche critico suggerisce che la complessità strutturale delle Variazioni è tale da togliere il sonno a chiunque le ascolti con orecchio non superficiale…

Il critico Piero Buscaroli dice di questa creazione:
“Le Variazioni Goldberg offrono il migliore esempio di una musica concepita per la ricreazione di uno spirito competente ed esigente“. E torneremo dopo a riflettere su quale spirito può essere attratto da questa musica.

L’opera è stata concepita come un’architettura modulare di 32 brani, disposti seguendo schemi matematici e simmetrie che le conferiscono tanta coesione e continuità da non avere eguali nella storia della musica. Insieme all’”Arte della fuga” può essere considerata uno dei vertici delle sperimentazioni di Bach.

Con un enorme balzo temporale arriviamo al 1991, quando il regista Jonathan Demme decise di dirigere un film dal libro dello scrittore americano Thomas Harris.

Il libro e il film raccontano la storia di una giovane recluta dell’FBI alla disperata ricerca di un pericoloso serial killer, aiutata nell’impresa da un altrettanto pericolo detenuto, ex psichiatra e criminologo. E’ facile individuare in questa trama il pluripremiato “Il silenzio degli innocenti“, capolavoro del genere con Anthony Hopkins e Jodie Foster.

In una delle scene più famose e cruente del film, il dottor Hannibal Lecter, imprigionato in una cella in attesa del pasto quotidiano è intento ad ascoltare le Variazioni, che scopriremo poi provenire da un registratore acceso all’interno della gabbia di reclusione. Come forse ricorderete, in questa scena le guardie non faranno una bella fine: al termine della sequenza ritroviamo Lecter, sporco di sangue, intento ad ascoltare ancora le Goldberg, tenendo gli occhi socchiusi mentre accarezza il registratore.

Per la precisione Lecter sta ascoltando la variazione n. 7.

Il legame tra Hannibal Lecter e questa musica viene direttamente dal romanzo di Thomas Harris. Nel libro Lecter chiede esplicitamente di poter ascoltare Glenn Gould che suona le Goldberg, e Harris descrive persino il suo interesse quasi analitico per la struttura musicale e per il basso che ritorna continuamente nelle variazioni..

Ecco il filmato della scena, ovviamente sconsigliato a chi è impressionabile.

Tra gli autori che hanno reinterpretato il capolavoro di Bach ve ne presentiamo due.

Glenn Gould ne registrò due versioni famose nel 1955 e nel 1981. Durante la prima aveva 23 anni e quel disco fulminante ne fece una leggenda prima ancora che una star.

Su Bach affermo’: “Penso che, se mi fosse chiesto di passare il resto della mia vita su un’isola deserta, e di ascoltare o suonare la musica di un compositore durante tutto quel tempo, il compositore sarebbe quasi certamente Bach. Davvero non riesco a pensare a una qualsiasi altra musica che sia così totalizzante, che mi commuova così profondamente e in modo così coerente, e che, per usare un termine piuttosto impreciso, sia prezioso al di là di tutta la sua abilità e brillantezza per qualcosa di più significativo di questo: la sua umanità.”

E poi anche il grande Keith Jarrett nel 1989 diede il suo contributo all’immortalità di quest’opera (col clavicembalo costruito apposta per lui da Tatsuo Takahashi).
Nei tempi recenti molto rimarchevole anche l’interpretazione della salentina Beatrice Rana:

Ritorna la nostra rubrica dedicata alle connessioni profonde tra cinema e musica classica e oggi ci concentriamo su uno dei classici romantici degli anni ’90.

“La Traviata” è una delle opere più celebri di Giuseppe Verdi, rappresentata per la prima volta nel 1853 al Teatro La Fenice di Venezia.
 
Ispirata al romanzo La signora delle camelie di Alexandre Dumas figlio, l’opera fu inizialmente accolta con freddezza dal pubblico, anche a causa della scelta di ambientare la storia in un’epoca contemporanea, cosa allora considerata audace.
Verdi, tuttavia, era convinto della forza drammatica della vicenda e, dopo alcune modifiche e una nuova rappresentazione l’anno successivo, l’opera ottenne un enorme successo, diventando uno dei capolavori più rappresentati al mondo.
 
Verdi insistette molto per mantenere un forte realismo nella narrazione, mostrando in scena temi allora delicati come la malattia (la tubercolosi) e la condizione delle donne emarginate.
Con il tempo, proprio questa modernità e intensità emotiva hanno reso La Traviata un’opera amatissima, capace di commuovere ancora oggi spettatori di tutto il mondo e anche dalla protagonista del nostro film.

Il film di cui vi parlavamo era ovviamente “Pretty Woman” uscito nel 1990 diretto dal compianto Garry Marshall.
 
In una delle sequenze più memorabili del film, il ricco uomo d’affari Edward (Richard Gere) porta Vivian (Julia Roberts) a vedere appunto “La Traviata” alla San Francisco Opera, scelta non casuale perché, proprio come nella storia dell’opera, parla di una cortigiana che si innamora di un uomo benestante. Anche Vivian, nel film, è una escort che attraversa i confini sociali grazie al legame con Edward.
Vivian, abituata a un mondo molto diverso, si trova immersa in uno spettacolo di grande cultura e tradizione e la sua reazione mette in luce il divario (ma anche le possibilità di comprensione reciproca) tra i due protagonisti.
 
La scena non è stato girata nell’opera vera: la produzione aveva pianificato di filmare alla San Francisco Opera, ma un terremoto nell’ottobre 1989 fece cambiare i piani, così la scena fu ricreata altrove con scenografia studiata ad hoc.
Famoso poi è il vestito che Vivian indossa per l’opera e che è diventato un’icona della cinematografia romantica. Il costume designer aveva inizialmente proposto il nero, ma scegliendo il rosso l’abito diventò simbolo visivo della trasformazione del personaggio (da prostituta di strada a donna di alta società per una sera).

E questo è il secondo atto ripreso dalla rappresentazione all’Arena di Verona del 2019

Lui e’ magro e pallido e sta ascoltanto un opera lirica nella stanza nella quale sta parlando con il suo avvocato.

Ma stiamo gia’ andando troppo avanti in questo appuntamento di “CineClassica” dedicato agli incroci, anzi alle vibrazioni comuni tra musica lirica e cinema (quasi sempre grande cinema).

Andrea Chénier è un’opera lirica in quattro quadri di Umberto Giordano su libretto di Luigi Illica, ispirata alla vita del poeta francese André Chénier all’epoca della Rivoluzione francese.

È la sua più famosa opera lirica di Giordano (assieme alla Fedora) rappresentata per la prima volta il 28 marzo 1896 al Teatro alla Scala di Milano: inutile dire che il successo fu trionfale.

Siamo alla vigilia della rivoluzione francese e la giovane Maddalena di Coigny, “capricciosa e un po’ romantichetta”, incontra Andrea Chénier, poeta che scandalizza l’aristocrazia con le sue idee innovatrici e la sua condanna all’ancien régime che opprime il popolo.
Dopo la rivoluzione fra i giovani, che hanno vissuto opposte fortune (l’uno leader rivoluzionario l’altra caduta in miseria), si ritrovano e si amano. Quando Chénier, nel giorni più cupi del Terrore, viene arrestato con false accuse come “Nemico della patria”, Maddalena trova il coraggio per chiedere a Carlo Gérard, suo antico servitore e ora stimato capo rivoluzionario, di salvare Chénier. Gérard, però, le rivela d’averla sempre amata e le chiede in cambio il suo amore. Desolata, Maddalena gli racconta la sua storia, la morte della madre, la fuga dalle violenze della rivoluzione, l’amore per Chénier.

E proprio l’aria de “La mamma morta” sarà uno dei brani piu’ famosi di quest’opera.

Torniamo allora al personaggio magro e fragile dell’inizio dell’articolo.
Lui si chiama Andrew Beckett e in questa scena sta discutendo con l’avvocato Joe Miller come comportarsi al processo che hanno intentato alla sua azienda che lo ha licenziato perche’ omosessuale.

Andrew: “Ti da fastidio questa musica ? Ti piace l’opera ?”
Joe: “Io non ho molta familiarità con l’opera.”

Andrew Beckett è Tom Hanks e Joe Miller è Denzel Washington nel pluripremiato Philadelphia (1993) di Jonathan Demme.

Il film tratta il delicato tema dell’AIDS, la malattia che raggiunse il culmine della sua drammaticità negli anni novanta. Uno degli elementi portanti del film, accanto alle interpretazioni degli attori principale, è appunto la musica, che sostiene quasi tutte le scene principali.

In questa scena la voce e’ quella (bellissima) di Maria Callas.

Questa invece l’interpretazione completa, sempre della Callas, dell’aria dell’Andrea Chénier.

Se vi interessa recuperare le precedenti puntate di CineClassica le trovate a questo indirizzo !!

Torna dopo un po’ di tempo la nostra rubrica “CineClassica” con un nuovo grande film e un brano di musica classica che ne ha fatto di meraviglioso accompagnamento.

Di Wolfgang Amadeus Mozart ve ne avevamo parlato in una precedente puntata di CineClassica parlando delle Nozze di Figaro (nel film “Le ali della liberta‘”).

Don Giovanni ossia “Il dissoluto punito” e’ invece sempre una delle opere nate dalla collaborazione fra Mozart e il librettista Lorenzo Da Ponte, dopo appunto “Le Nozze di Figaro”.
L’opera debuttò il 29 Ottobre 1787 a Praga, suscitando subito un grande entusiasmo, costituendo per il compositore un piccola rivalsa nei confronti di Vienna, dove l’opera venne invece accolta con freddezza.
Il fascino proprio del Don Giovanni, resiste ancora oggi e con il passare degli anni l’opera è stata più volte rianalizzata, personaggi che all’inizio sembravano secondari sono stati portati al centro dell’attenzione.
 
E una delle arie piu’ famose e’ il duetto “La ci darem la mano“, cantato durante il primo atto dell’opera.
Don Giovanni ha appena incontrato Zerlina e il suo promesso sposo, Masetto.
Nel tentativo di sedurre Zerlina, Giovanni si offre di ospitare la festa di nozze per la coppia nel suo castello e si propone di accompagnarla al suo castello.
Tuttavia, dopo la fine del duetto, Donna Elvira arriva e sventa la seduzione.

Tratto da un romanzo di Karen Blixen (l’autrice del pluripremiato “La mia Africa”), nel 1987 un film danese vinse l’Oscar come miglior film straniero e a Cannes ottenne la menzione speciale della giuria ecumenica.
 
Si tratta ovviamente di “Il pranzo di Babette” sceneggiato e diretto da Gabriel Axel con Stéphane Audran e Bibi Andersson (la musa di alcuni dei film piu’ famosi di Ingmar Bergman).

Babette, signora francese ricercata dalla polizia del suo paese dopo i giorni della Comune, ripara in Scandinavia dove trova lavoro e ospitalità presso due sorelle zitelle, figlie di un pastore protestante. Con i soldi ricavati da una vincita alla lotteria, Babette imbastisce una favoloso pranzo che ha il potere di sanare tutte le discordie del paese.

Questa la trama del film, ma la scena che ci interessa e’ una di quelle iniziali.
Il cantante d’opera Achille Papin era insegnante di musica di Filippa, una delle due sorelle e anche suo spasimante.
Durante una lezione, i due si cimentarono nel provare gli spartiti di Don Giovanni e di Zerlina e lui si sentì rapire dalla bellezza della musica e di Filippa e afferro’ alla fine del duetto le mani della ragazza e attirandola a sé la baciò con trasporto e solennità.
Il giorno dopo la fanciulla rinuncio’ alle lezioni e inizio’ quella vita morigerata che ritroviamo all’inizio del film.

Ed ecco la scena incriminata !!

E per terminare ecco un’interpretazione davvero eccelsa con la bravissima Cecilia Bartoli e il baritono statunitense Thomas Hampson.

Essere il piu’ grande compositore italiano e uno dei piu’ grandi del mondo non era certo tutto rose e fiori del lontano 1850.

Nell’attesa di concludere il “Simon Boccanegra” per la Fenice di Venezia, il compositore emiliano aveva ricevuto l’incarico dal San Carlo di comporre un’opera da rappresentare nel teatro partenopeo.

L’opera era “Un ballo in maschera” che pero’ fu pesantemente censurato per i suoi temi giudicati inadatti visto la situazione politica dell’epoca (parlava di un marito che uccide il presunto rivale, ovvero il re di Svezia) e che costrinse Verdi a sciogliersi dal contratto.
Si ando’ in tribunale e alla fine Verdi concluse l’opera, ma per un’altro committente ovvero il Teatro Apollo di Roma (1859).

Ascoltiamoci allora la versione, interpretata dal grande Luciano Pavarotti, di un’aria del primo atto.

Stacco (come direbbe Paolo Sorrentino imitato da Maurizio Crozza).

Passiamo ad una scena con due innamorati a letto dopo una bella e romantica notte d’amore.

Lui sente il notiziario radiofonico ed esclama meravigliato “Senti che cretini… il notiziario delle 16.30 lo fanno alle 2!!”… dopo un attimo di presa di coscienza la successiva frase e’ molto meno rilassata “Mariaaaa la pomeridianaaaa !”
 
E a questo punto parte una lunga e trafelata (anche se con pausa) corsa in bicicletta per le vie di Milano fino al Teatro della Scala dove in quel momento e’ in corso la rappresentazione proprio di “Un ballo in maschera” di Verdi e dell’aria del primo atto “Ogni cura si doni al diletto” che abbiamo visto prima.

Lui e’ Aldo Baglio e il film e’ ovviamente uno delle opere piu’ belle del Trio Aldo Giovanni & Giovanni “Chiedimi se sono felice” (anno di grazia 2000).

Vediamoci per intero la divertentissima scena (con la prima apparizione al cinema di Paola Cortellesi) che ci ha dato spunto per questa puntata di CineClassica !!

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A volte impedire a qualcuno di fare qualcosa porta inevitabilmente al suo opposto.

Una delle arie piu’ famose presente nel secondo atto e’ “Lascia ch’io pianga“, affidata al personaggio di Almirena e rivolto al suo carceriere Argante.

Gérard Corbiau e’ invece un regista belga non molto attivo (il suo ultimo film risale al 2003), ma che ha portato due suoi film alla nomination all’Oscar come miglior film straniero.

La sua opera piu’ famosa e’ la storia, con molte libertà, del pugliese Carlo Broschi che, evirato a dieci anni, divenne il più celebre sopranista nella storia musicale d’Europa, e dei suoi rapporti col fratello maggiore Riccardo che gli fece da impresario e per lui compose una mezza dozzina di opere.
 
Broschi e’ piu’ famoso con il nome di “Farinelli” e appunto “Farinelli – Voce regina” e’ il film del 1994 che racconta anche la sua parte di vita a Londra, interpretato nelle parti principali da Stefano Dionisi e Enrico Lo Verso mentre nei panni di Handel troviamo l’attore olandese Jeroen Krabbé.

E proprio da questo film recuperiamo appunto, dopo tutto questo lungo preambolo, il filmato di questa puntata, la bellissima aria “Lascia ch’io pianga” cantata dalla voce angelica (nel film in realtà rifatta digitalmente) di Farinelli.

Lascia ch’io pianga
mia cruda sorte,
e che sospiri
la libertà.

Il duolo infranga
queste ritorte,
de’ miei martiri
sol per pietà.

Se ci avete seguito nei precedenti appuntamenti di CineClassica avrete notato che abbiamo sempre associato un brano di musica classica ad una scena tratta da un film drammatico.

E’ invece del 1940 una delle parodie piu’ famose della seconda guerra mondiale.

Se volete invece godervi una versione piu’ “classica” ecco la danza 5 nell’interpretazione di Claudio Abbado con la Berliner Philharmoniker.

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“Episodi della vita di un artista, sinfonia fantastica in cinque parti, op.14” o piu’ comunemente “Sinfonia fantastica” e’ un poema sinfonico per orchestra creato dal compositore francese Hector Berlioz (1803/1869).

Articolata in cinque (anziché quattro) movimenti è ispirata dall’incontro di Berlioz con la sua amata (l’attrice Harriet Smithson) e descrive tutte le sue sofferenze per l’amore non corrisposto. Si dice che Berlioz per scrivere questo pezzo abbia assunto dell’oppio, e che dopo aver avuto varie visioni della sua amata, abbia composto l’opera.

Nel 1977 invece esce il terzo romanzo dello scrittore americano Stephen King, un grande successo da quattro milioni di copie vendute.
La storia di questo libro e’ ambientata nell’immaginaria cittadina di Stovington (New Hampshire) tra la fine del 1976 e gli inizi del 1977. Jack Torrance, che ha perso il proprio lavoro d’insegnante dopo aver aggredito uno studente, cerca di portare a termine una commedia alla quale lavora da tempo e accetta un lavoro offertogli dall’amico Al Shockley: trasferirsi come guardiano invernale all’Overlook Hotel, un imponente albergo con centinaia di stanze, costruito all’inizio del secolo, che domina le alte montagne del Colorado, a 65 chilometri dal prossimo centro abitato.

Tre anni dopo il regista americano Stanley Kubrick realizzerà un film da quest’opera con un gigantesco Jack Nicholson e Shelley Duvall. Parliamo ovviamente di “Shining” uno dei capolavori del genere thriller-horror !!

La base musicale di The Shining (Main Title) è tratta appunto dal Quinto Movimento della Sinfonia Fantastica, chiamato “Il Sogno del Sabba delle Streghe (Dream of a Witches’ Sabbath)” revisitato da Wendy Carlos che curo’ le musiche originali del film di Kubrick.

E’ possibile ritrovare alcune interessanti connessioni tra le vicende di Jack Torrance in Shining e la storia raccontata dalla sinfonia di Berlioz. Qui, un giovane musicista si innamora perdutamente di una bellissima donna; poiché pensa di non essere
corrisposto si avvelena con l’oppio e cade in preda ad allucinazioni malvagie e visioni orrorifiche (come gli spettri decomposti e feriti dell’Overlook): sogna di aver ucciso l’amata (“Sognavo di uccidere te e Danny, vi facevo a pezzi” confessa Jack) di essere scoperto e condannato, infine portato alla gogna dove assiste alla propria esecuzione. Il Quinto Movimento della sinfonia vede il giovane artista in mezzo ad una miriade di fantasmi, streghe e mostri di ogni sorta che si sono riuniti per il suo funerale.

Circa al quarto minuto del Quinto Movimento inizia il tema del funerale, che Berlioz ha composto rifacendosi alla tradizione del Dies Irae e che Wendy Carlos riprende per comporre il tema principale di Shining, che quindi inizia, appropriatamente, con un canto di morte.

Ecco la versione del Quinto Movimento nell’esecuzione di Leonard Bernstein e della “Orchestre National de France”

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Nelle nostre puntate di CineClassica abbiamo quasi sempre visto l’opera lirica a supporto di momenti molto intensi e tragici (“Philadelphia“, “Il silenzio degli innocenti“, “Shining“).

Ma nell’opera lirica ci sono molti esempi anche di opera buffa, nata proprio in Italia.

 
L’opera buffa si proponeva di trasformare l’opera in un genere in cui la gente comune potesse notare una propria somiglianza con i personaggi.
Dal momento che l’opera seria era un costoso intrattenimento per sovrani e nobili, l’opera buffa fu realizzata per un pubblico più normale con problemi più comuni.

Uno degli esempi piu’ mirabili e’ “Il barbiere di Siviglia” di un venticinquenne Gioacchino Rossini, opera in due atti, tratta dalla commedia omonima francese di Pierre Beaumarchais del 1775.
 
L’opera doveva essere scritta per il carnevale del 1816 e ando’ in scena al Teatro di Torre Argentina di Roma (odierno Teatro Argentina), con il titolo “Almaviva, o sia L’inutile precauzione”.

Una delle arie piu’ famose di quest’opera e’ sicuramente “La calunnia è un venticello” che viene spesso indicata come esempio per il “crescendo rossiniano”, termine ormai entrato nell’uso comune anche fuori dalla lirica.
 
Don Basilio, il maestro di musica di Rosina, arriva in casa di Don Bartolo e si affretta ad avvisarlo che il conte di Almaviva, che loro sanno essere lo spasimante segreto di Rosina, è arrivato in città.
Don Bartolo è preoccupato perché vuole al più presto sposare Rosina, e il conte per lui è una minaccia troppo grande.
Ma Don Basilio lo rassicura: quel che ci vuole è una bella calunnia; qualcosa creato ad arte per metterlo il pessima luce agli occhi della gente, in modo che sia costretto a scappare dalla città.
Don Basilio spiega a Don Bartolo cosa sia la calunnia in questa celebre aria, assumendo un tono quasi da sermone; descrive come la calunnia nasca piano piano e come via via acquisti sempre più forza, insinuandosi nella mente delle persone.

Tutti conoscono Stefano Fresi come attore, ma pochi sanno che e’ anche un apprezzato compositore, ad esempio l’incessante jingle che sentite sui canali Rai e’ opera sua.
 
E l’attore romano si e’ anche cimentato nell’opera lirica.
Dove ? Ma ovviamente nel terzo capitolo della saga di Sydney Sibilia “Smetto quando voglio – Ad honorem” dove nel carcere di Rebibbia la banda capitanata da Edoardo Leo tenta un’improbabile evasione.
 
Durante l’annuale spettacolo canoro organizzato dallo stravagante direttore del carcere, la banda riesce a provocare un’esplosione nella sala computer del penitenziario e a fuggire attraverso un condotto sotterraneo usato per far arrivare i cavi della fibra ottica nel carcere.
 
Stefano Fresi in quello eccentrico spettacolo canta appunto l’aria della “La calunnia” con buoni esiti canori come possiamo vedere in questa clip che racconta il backstage di questi esilaranti momenti.

E volete sentire una versione piu’ classica e professionale ecco la versione cantata dal tenore Ferruccio Furlanetto al Teatro La Fenice durante il concerto di Capodanno 2008 !!

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Da oggi parte una nuova rubrica su Amicinema (e forse direte, ma non ce ne erano già abbastanza?) che cercherà di unire il cinema e il mondo della musica classica e lirica, un connubio che da sempre lega indissolubilmente queste due forme d’arte.
E sulla quale aspettiamo anche le vostre segnalazioni!

“Le Nozze di Figaro” è un’opera lirica del grande Wolfgang Amadeus Mozart ed è la prima delle tre opere italiane scritte dal compositore salisburghese su libretto di Lorenzo Da Ponte.

Musicato da Mozart all’età di ventinove anni, oltre ad essere una delle sue più famose opere, è la prima di una serie di felici collaborazioni tra Mozart e Da Ponte, come Don Giovanni e Così fan tutte.

L’opera fu scritta da Mozart in gran segreto (la commedia era stata vietata dall’Imperatore Giuseppe II, poiché attizzava l’odio tra le varie classi sociali) impiegando sei settimane per completarla (famoso è il finale del secondo atto, scritto in un giorno, una notte e un successivo giorno di lavoro continuato).

L’opera fu messa in scena al Burgtheater di Vienna, il 1º maggio, 1786 ottenendo un successo strepitoso, al punto che l’imperatore dovette emanare un decreto per limitare le richieste di bis, in modo che le repliche non durassero troppo.
In Italia fu rappresentata alla Scala nel marzo del 1815 (ben 29 anni dopo !!!).

L’opera è in quattro atti e ruota attorno alle trame del Conte d’Almaviva, invaghito della cameriera della Contessa, Susanna, sulla quale cerca di imporre lo “ius primae noctis”.

La vicenda si svolge in un intreccio serrato e folle, in cui donne e uomini si contrappongono nel corso di una giornata di passione travolgente, piena sia di eventi drammatici che comici, e nella quale alla fine i “servi” si dimostrano più signori e intelligenti dei loro padroni.

Uno dei pezzi più popolari delle “Nozze di Figaro” è costituito da “Sull’aria…” un piccolo e delizioso duetto nel quale la Contessa detta a Susanna un biglietto che la cameriera dovrà recapitare al Conte per confermare il loro incontro serale in giardino.
Celato nel testo apparentemente innocuo di una “canzonetta sull’aria”, lo scritto indicherà al Conte il luogo del rendezvous: “sotto i pini del boschetto”. Le voci delle due cantanti si intrecciano mirabilmente in una scena colma di leggerezza e di allegria, pur se il sottotesto è ambiguo.

Nel 1994 esce un film diretto da Frank Darabont, con Tim Robbins e Morgan Freeman, tratto da un racconto di Stephen King.
La pellicola racconta la storia di Andy Dufresne, vice-direttore di una banca di Portland, che viene condannato per l’uccisione della moglie e del suo amante, benché egli proclami la sua innocenza.
Viene imprigionato nel carcere di Shawshank, dove le guardie e il direttore impongono la loro legge fatta di violenze gratuite e omicidi impuniti.
Il film e’ ovviamente “Le ali della libertà” (The Shawshank Redemption) ed e’ uno dei piu’ amati dal pubblico di tutto il mondo.

In questa scena Tim Robbins con uno stratagemma elude il controllo delle guardie e con un vecchio grammofono fa ascoltare a tutti i prigionieri usciti per l’ora d’aria il duetto dell’opera di Mozart regalando a tutti un momento di vera poesia.

La versione del duetto che si sente nel film è quella interpretata da Edith Mathis (Susanna) e Gundula Janowitz (Contessa), dirette da Karl Böhm nel 1968
Da notare che il protagonista afferma di non sapere che cosa dicano le cantanti e immagina che “l’argomento fosse una cosa così bella da non poter essere espressa con delle semplici parole”.
Invece si tratta di due donne che complottano per ingannare il marito di una di loro: ancora una volta, la potenza della musica di Mozart si eleva al di sopra degli argomenti trattati!!

E questa e’ la versione completa invece nell’interpretazione di Cecilia Bartoli e Renee Fleming al Metropolitan Opera nel 1998

Al prossimo CineClassica!!!