Questa la bella recensione di Ugo Besson che ha visto in anteprima questa pellicola:
 
“Il vostro inviato è andato all’anteprima stampa del film “Nonostante”, di Valerio Mastandrea, con lo stesso Mastandrea e Dolores Fonzi, che uscirà nelle sale il 27 marzo ed è stato il film d’apertura della sezione Orizzonti alla Mostra di Venezia del 2024.
Il film si svolge in gran parte in un ospedale e inizia con un funerale, cui assiste anche il protagonista (Mastandrea). Poi il protagonista entra nell’ospedale, con movimenti sicuri e agili, fra scale e corridoi e sembra invisibile alle persone che incrocia, fino a quando passa vicino a lui una barella con un malato grave e allora un improvviso vento lo travolge rischiando di buttarlo fuori. “Quando passa un moribondo, arriva la bufera e a quelli come noi ci porta via, perché nessuno vuole morire da solo”, ci spiega il protagonista.
 
Ecco la chiave del film: i personaggi principali sono alter ego, fantasmi, anime o qualcosa di simile, dei malati in coma profondo nell’ospedale, sono come in uno stato intermedio fra i vivi e la morte. Vediamo i vari personaggi muoversi e agire come persone normali ma non visti e sentiti dagli altri, dormono sui divani delle camere, parlano fra loro, talvolta escono anche nella città, curiosando nella vita quotidiana delle persone normali. Seguiamo lo svolgersi di varie loro vicende, e poi pian piano, nonostante il loro stato sospeso e irreale, nasce un amore delicato e romantico, che sembra capace di spezzare la parete fra vivi e moribondi.
 
Un film poetico, struggente, certo triste, ma che riesce a toccare con levità e ironia sentimenti profondi e tematiche esistenziali, come la malattia, la morte, la solitudine, l’amore, la speranza, Si riflette, ci si commuove ma si sorride anche molto. La morte è presentata come un volo leggero, come quello di un aquilone, che volteggia sulla città e la guarda dall’alto. Il tema degli stati di pre-morte e degli intermediari fra i due mondi è stato trattato nel cinema, non è originale, ma qui l’approccio è intimo, personale, il registro è delicato, da commedia dei sentimenti, lo stile è asciutto e profondamente umano, e si vede il coinvolgimento personale di Mastandrea (il film è dedicato ad Alberto Mastandrea, il padre di Valerio scomparso nel 2023). È toccante la scena del padre sulla spiaggia, mentre è movimentata e un po’ esilarante quella della gita di gruppo.
 
Un film dal forte impatto emotivo, che si muove in bilico tra il realismo e una vena più intima, poetica e certamente surreale, con uno sguardo ironico e disincantato sulla vita. Lo stile di regia è attento ai dettagli, con una narrazione che gioca su silenzio e introspezione, mentre a volte irrompe in dialoghi fitti e intensi, e fa emergere l’umanità e la fragilità dei personaggi.
Bravo come al solito Mastandrea, ben sviluppato il personaggio della co-protagonista, l’attrice argentina Dolores Fonzi, con un’espressività pacata ma intensa e una bellezza non appariscente ben calibrata sul personaggio. Buone anche le interpretazioni degli altri, in particolare Lino Musella, Laura Morante e anche Giorgio Montanini, che è l’unico che ha il potere di comunicare con entrambi i mondi paralleli.“

Sentiamo la recensione del nostro inviato Ugo Besson che ha visto in anteprima questo film:
 
“Il vostro inviato è andato all’anteprima stampa del film “Ritratto di un amore” (Bonnard, Pierre et Marthe), di Martin Provost (Francia, 2023), con Vincent Macaigne, Cécile de France, Stacy Martin, che uscirà nelle sale il 16 maggio.
Il pittore francese Pierre Bonnard, all’inizio della sua lunga e straordinaria carriera, incontra Marthe, le propone di fare da modella per un ritratto e lei accetta. Galeotta fu la tela, fra i due esplode subito un’attrazione che presto diventa un forte e profondo legame, che più non li abbandona. Il film naviga fra pittura, quadri, ambienti intellettuali parigini, ma tiene il suo centro e il suo interesse nella relazione fra i due.
Una relazione gioiosa e felice, che funge da grande ispirazione per l’artista, che dipingerà in tutti i modi l’amata. Immersi in una ricerca di fusione con la natura, in una villa in campagna vicino alla Senna, vivono in libertà momenti felici, presentati in un alternarsi di scene di gioia naturalistica fra corse sull’erba e bagni nel fiume e dipinti che Pierre rifinisce con pennellate ricche di colori.
 
Gli appassionati saranno contenti di vedere molte tele del pittore che scandiscono la narrazione e diventano un altro personaggio principale, e per loro gioia arrivano anche, ospiti nel giardino della coppia, alcuni celebri artisti del gruppo degli impressionisti, fra cui Claude Monet. Le differenze sociali e culturali pesano ma si superano, Marthe è reticente a frequentare il mondo degli artisti, si vergogna anche di mostrarsi, “Hanno visto senza veli i particolari del mio corpo nei dipinti, ora sono curiosi di vedere com’è la mia faccia. Perché di me dipinge solo il corpo, mentre il viso appare sempre sfocato?”.
Poi vengono gli ostacoli, gli attriti, le difficoltà, le gelosie, anche la guerra, ma il legame resiste, anche quando i corpi invecchiano e gli entusiasmi calano, per esempio li vediamo riappacificati dopo uno screzio, mentre mangiano sereni sul bordo del fiume. Tutto traballa e si complica quando interviene una nuova modella, studentessa d’arte giovane e carina, in un complesso triangolo di amore e pittura, ma il racconto non finisce qui…
 
La travagliata storia d’amore è un suggestivo esempio di una relazione difficile ma tenace, un sentimento contraddittorio ma profondo, che supera le circostanze del momento come un’onda alta che non s’infrange facilmente.
La delicata espressività di Cécile de France ci regala il personaggio di una donna affascinante, sensibile, modesta e forte, che sa superare le sue fragilità. Vincent Macaigne disegna bene un personaggio complesso, tenero e innamorato ma anche egocentrico, come capita spesso per gli artisti geniali, che pongono al centro di tutto la loro opera.
 
La fotografia degli ambienti esterni richiama i toni e la luminosità della pittura dell’epoca. La regia gestisce il film con un buon ritmo, alternando scene interne ed esterne, intime e ampie, pacate e drammatiche.”

Sentiamo la recensione di Ugo Besson che ha visto in anteprima questo film:
 
“A Bruxelles, nel bar Ètoile troviamo il barista Boris, l’intraprendente proprietaria Kyoko (Kaori Ito), vestita di rosso, e l’amico buttafuori Tim (Philippe Martz). Entra un uomo, Georges, che cerca di uccidere Boris con una pistola, ma non ci riesce e fugge. Scopriamo che Boris ha un passato di militanza di estrema sinistra in cui ha compiuto attentati terroristici in Belgio, in uno dei quali è stato gravemente ferito Georges, che ora vuole vendicarsi. Scampato l’immediato pericolo, i tre pensano ad un piano per proteggere Boris, poi incontrano Dom, un uomo molto somigliante a Boris e decidono di fare una sostituzione di persona, portando Dom al bar ed esponendo così lui al pericolo, al posto di Boris. Si crea un intreccio un po’ thriller anche per l’intervento della ex moglie di Dom, che fa l’investigatrice privata.
 
Il film si sviluppa con un susseguirsi fantasioso di gag comiche, basate su una comicità fisica, spesso coreografica, che fa pensare a Chaplin o Buster Keaton o Jaques Tati. In alcune scene finali l’aspetto musicale esplode in una specie di danza moderna un po’ surreale mescolata agli avvenimenti che potrebbero diventare drammatici. Gli autori mostrano una grande cura e attenzione nelle inquadrature, le scelte dei colori e dei dettagli, spesso con gusto estetico. Gli attori parlano poco, la recitazione comica si basa soprattutto sulla mimica, il movimento del corpo, la sincronia gestuale dei personaggi in scena.
L’espediente del sosia moltiplica felicemente le occasioni comiche e gli equivoci, e fa venire in mente il film “Johnny Stecchino” di Benigni.
Sullo sfondo si pongono temi importanti come il terrorismo e la lotta armata di decenni fa e la crisi sociale attuale, con le manifestazioni per la sanità pubblica in difficoltà e carenza di risorse, ma questi temi sono solo sfiorati e annegano nella prevalenza dell’espressione comica. Nell’intreccio delle vicende personali emergono i problemi dell’elaborazione del lutto e della crisi sentimentale ma anche questi non intaccano il registro comico. Come hanno detto gli autori nella discussione dopo la proiezione, il loro stile espressivo è soprattutto quello dei clown.
 
Si sono posti il problema di trovare un equilibrio fra l’aspetto clownesco e lo sviluppo della trama della vicenda, il primo tendente a minimizzare i dialoghi, sfiorando scene da film muto. A me sembra che abbiano scelto una soluzione molto squilibrata a favore del comico clownesco.
Il film mostra una grande qualità della presentazione delle gag che sono costruite con grande efficacia e ritmi precisi, anche grazie all’abilità recitativa e fisica degli attori. È invece carente nello sviluppo dell’intreccio narrativo di quello che sarebbe un film giallo, che appare solo come un pretesto per mostrare scene comiche raffinate ed esilaranti.”

Per Amicinema all’anteprima stampa romana c’era Ugo Besson e questo e’ quello che ci ha scritto:
 
“Il vostro inviato è andato all’anteprima stampa del film “Memory”, del regista messicano Michel Franco, con Jessica Chastain e Peter Sarsgaard, premiato come miglior attore alla mostra di Venezia del 2023. Il film uscirà nelle sale il 7 marzo.
 
Siamo a New York. Sylvia vive sola con la figlia adolescente, lavora in un centro di assistenza per adulti, ed è appena uscita da un problema di depressione e di alcolismo. Una sera va ad una festa di ex compagni di liceo, le si avvicina un uomo, lei si allontana infastidita e lascia la festa. Ma l’uomo, Saul, la segue fino a casa e rimane tutta la notte davanti al suo portone. La mattina dopo, Sylvia chiama l’assistenza per soccorrere l’uomo e riportarlo a casa, poi va a trovarlo per informarsi del suo stato. Saul vive con il fratello, soffre di una malattia mentale, per la quale ricorda bene le cose del passato lontano, i genitori, l’infanzia, la moglie morta molti anni prima, ma non ricorda gli avvenimenti recenti. Sylvia vuole capire perché lui l’ha seguita e fra i due si attiva un dialogo intenso e sempre più teso, i due hanno frequentato lo stesso liceo, lei dice di ricordarsi di lui, anche perché hanno avuto alcuni incontri molto spiacevoli, mentre lui dice di non ricordare nulla di lei, ma lei pensa che lui menta. Siamo di fronte a ricordi cancellati di lui o a falsi ricordi di lei?
 
Il film procede aggiungendo altri tasselli della vita e del passato dei due protagonisti e delle loro famiglie, formando pian piano un quadro sempre più dettagliato e mostrando in particolare il retroterra dei problemi di Sylvia. La vicenda procede con alcuni colpi di scena e rivelazioni inattese, avendo al centro l’evoluzione del rapporto fra i due protagonisti, fino all’improvviso e asciutto finale, che potrebbe essere piuttosto un inizio.
Il film scorre bene, mantiene sempre l’attenzione e l’interesse per le vicende dei personaggi, cui ci si affeziona. I personaggi secondari sono molto ben presentati e interpretati, e sono d’altronde fondamentali nella vicenda, in particolare la figlia di Sylvia emerge sempre più, assumendo rilevanza e personalità. Sono molto belle le scene fra madre e figlia, con piccole tensioni affettuose sempre ben risolte.
 
Jessica Chastain fornisce un’ottima interpretazione, precisa e puntuale, che esprime in dettaglio i diversi momenti del vissuto della protagonista.
Il tema della memoria è ovviamente al centro, quella perduta o rimossa e quella alterata o costruita. Ed è proprio su questo incastro di problemi di memoria che si articola e sviluppa la relazione fra Sylvia e Saul.”

Ecco la recensione del nostro inviato Ugo Besson che ha visto in anteprima questa pellicola:
 
“Il vostro inviato è andato all’anteprima stampa del film francese Viaggio in Giappone (Sidonie au Japon), di Elise Girard, con Isabelle Huppert e Tsuyoshi Ihara, che uscirà nelle sale l’11 gennaio.
 
Sidonie Perceval è una celebre scrittrice francese, che da alcuni anni non scrive più, dopo la morte del marito in un incidente stradale. In occasione della nuova edizione del primo romanzo, il suo editore giapponese Kenzo Mizoguchi (“non sono parente del famoso regista”, si affretta a dire) la invita in Giappone per una serie di interviste e presentazioni. È un viaggio di pochi giorni, ma con molti spostamenti in luoghi e città del paese, dove Kenzo accompagna sempre l’ospite straniera. La regista sottolinea subito, anche con un po’ d’ironia, le differenze di stile, abitudini, comportamenti fra i due paesi, che coinvolgono e frastornano la scrittrice. Ad un certo punto a Sidonie appare il fantasma del marito (August Diehl), lei è dapprima spaventata, poi si abitua alle improvvise apparizioni, ci parla e quasi lo aspetta. Si confida con Kenzo, che dice che in fondo il Giappone è il paese dei fantasmi e che loro sono abituati a vivere con i cari defunti. La scrittrice e l’editore iniziano a parlare della loro vita e a comunicare in modo pacato ma intenso, fra riflessioni esistenziali e confidenze personali, sono molto diversi ma hanno entrambi una storia familiare drammatica. Si assiste ad una progressiva evoluzione dei rapporti fra i due e fra Sidonie e il fantasma del marito.
 
Il film è la storia di una difficile elaborazione del lutto e di un incontro fra due anime superficialmente molto diverse ma nel profondo molto simili.
È anche una riflessione sul rapporto fra letteratura e vita. In un’intervista chiedono a Sidonie se ha sempre voluto scrivere e lei risponde “no, si scrive quando non si ha più nulla, solo la disperazione, e a volte neanche quella”. Sidonie ha scritto il suo primo romanzo dopo la morte in un incidente dei genitori e del fratello, l’intervistatrice suggerisce che la scrittura può essere stata un modo per guarire dalla sofferenza e la scrittrice risponde “no, scrivere non guarisce, ma mi ha aiutata a sopravvivere a quel momento”.
 
Il film procede calmo, scorrevole, senza strappi o avvenimenti forti, con immagini sempre gradevoli e dialoghi brevi, mai banali o superflui, precisi come pennellate sicure su un quadro ben definito, che si delinea poco a poco.
La recitazione di Isabelle Huppert è magistrale, raffinata e delicata, con una grande espressività, fatta di piccoli movimenti del viso e variazioni e pause della voce (ho visto la versione in lingua originale francese).
 
I panorami, i giardini, gli ambienti sono presentati in modo elegante e attraente, tanto che alla fine mi è venuta voglia di fare un viaggio in Giappone, dove non sono mai stato.”

Spazio al nostro inviato Ugo Besson che ha visto in anteprima a Roma questo bel film:
 
“Il vostro inviato è andato all’anteprima stampa del film La moglie di Tchaikovsky, di Kirill Serebrennikov, che uscirà nelle sale il 5 ottobre. Il film è stato presentato in concorso la Festival di Cannes 2022. Il regista, fra i più originali e apprezzati della cinematografia russa, ha vinto il premio per il miglior film alla Festa del cinema di Roma del 2006 e nel 2017 è stato insignito del Premio Europa Realtà Teatrali.
 
Siamo in Russia, nella seconda metà dell’ottocento. Antonina Ivanovna conosce Pyotr Tchaikovsky, si innamora di lui, si iscrive al conservatorio per incontrarlo, poi gli dichiara il suo amore in una lettera appassionata. I due si incontrano ma il musicista giudica la lettera un po’ da esaltata e respinge la proposta d’amore. Antonina non si dà per vinta, insiste, e Pyotr alla fine propone di sposarla, senza passione, in una relazione da fratelli. La donna accetta pur di stare con lui, mentre lui pensa ad un matrimonio di facciata per coprire la sua omosessualità. Lei non crede fino in fondo al suo rifiuto, non capisce la situazione, cerca di attrarlo con le sue grazie femminili, che a lui non interessano e anzi gli creano disagio e fastidio, sempre più forti. La situazione precipita scivolando nell’ossessione e nel dramma.
 
La vicenda si ritrova già nel film del 1970 The Music Lovers (L’altra faccia dell’amore), di Ken Russell, però il film di Russell poneva al centro la vita di Tchaikovsky, trattando anche molti altri aspetti della vita dell’artista, mentre Serebrennikov ribalta la visuale, descrive la vicenda dal punto di vista di Antonina, si concentra su di lei, e non l’abbandona per tutto il film, con l’attrice che regge bene questa attenzione prolungata. Di conseguenza, non ci sono nel film alcuni personaggi presenti nell’opera di Russell, come la signora von Meck, sua mecenate, che lo sostiene economicamente a lungo, mentre altri personaggi, come la sorella di Pyotr e la stessa Antonina, sono presentati in modo molto differente.
Anche se non c’è la fantasia onirica e visionaria di Ken Russell, il film a volte esplode in scene travolgenti fra sogno e realtà. Le immagini creano una suggestiva atmosfera di sospensione e attesa con colori morbidi e poco brillanti, e tendono a concentrare l’attenzione sulla protagonista, sui suoi pensieri e sentimenti e sulle sue tensioni interne, a volte distinguendola dal contesto, con un primo piano a fuoco su uno sfondo sfocato. Alcune scene sono sviluppate in profondità, con grande abilità registica, come quella della proposta di divorzio fatta dai fratelli di Pyotr, con la protagonista unica donna in presenza di cinque uomini che cercano di convincerla a firmare una dichiarazione, oppure le scene iniziali dell’incontro fra i due protagonisti a casa di lei. In entrambi i casi emerge la forza, la volontà della protagonista che pure si trova in posizione di debolezza e dipendenza psicologica.
 
In altre scene, però, la narrazione è condotta in modo affrettato e sfuggente, e non sono chiare le motivazioni di alcuni comportamenti e alcuni avvenimenti. In effetti, il regista sembra interessato soprattutto alla vicenda intima, psicologica, della protagonista, al suo tenace sentimento di attaccamento al marito, oltre ogni ostacolo e ragionevolezza, superando la soglia del legame patologico.
Emergono sparse nel film indicazioni sulla situazione della donna in Russia in quel periodo, “un nome sul passaporto del marito”, e sul problema dell’omosessualità, che spinge Tchaikovsky a volere un matrimonio (non una moglie…) per fermare le voci sulla sua omosessualità, che poteva costituire un ostacolo alla sua carriera di artista e alla sua rispettabilità sociale.
L’attrice Alyona Mikhailova è brava a rappresentare con garbo e sottigliezza le sfumature dei sentimenti, allo stesso tempo la fragilità e la tenacia,
la sofferenza e il sorriso. Nel complesso, un film intenso, forte e coinvolgente.”

Ugo Besson era il nostro inviato speciale in quel di Roma per l’anteprima stampa e spazio quindi alle sue belle parole:
 
“Il vostro inviato è andato all’anteprima stampa del film Holy Spider, del regista iraniano-danese Ali Abbasi (noto per il film Border, 2018, premiato a Cannes), con Mehdi Bajestani e Zahra Amir Ebrahimi, premiata come migliore attrice al Festival di Cannes. Il film si basa su un fatto vero, il caso di un serial killer che negli anni 2000-2001 uccise 16 donne, prostitute di strada, nella città santa iraniana di Mashaad. Il fatto fece molta impressione in Iran, c’è anche un documentario sull’argomento, And along came a spider, realizzato nel 2002 dal giornalista Maziar Bahari, disponibile su youtube con sottotitoli in inglese.
 
Nel film Saeed è un muratore reduce dalla guerra con l’Iraq, che si ritiene investito della missione religiosa di ripulire le strade da queste donne ritenute impure. Il film inizia con una scena cupa e violenta in cui già si vede Saeed all’opera con una sua vittima. Poi arrivano i titoli e interviene l’altro personaggio principale, la giovane giornalista Rahimi, inviata da Teheran per seguire il caso della serie di delitti. Rahimi vuole indagare in profondità sul caso, ma trova scarsa collaborazione e intralci da parte della polizia. Come dice una donna “Ripulisce le strade al posto loro, li aiuta, perché dovrebbero arrestarlo?
Ad un certo punto anche il collega giornalista che l’aiuta le consiglia di lascar perdere, ma lei non demorde e continua le sue ricerche, anche con gravi rischi personali.
Il film è un thriller, in cui si sa da subito chi è l’assassino e la tensione ruota attorno al ripetersi dei delitti, non senza ostacoli e difficoltà, alla possibilità di scoprirlo e al lavoro della giornalista. L’elemento più inquietante è il significato che ha per Saeed la sua azione delittuosa, non si sente colpevole, ma un eroe che compie una missione religiosa e purificatrice, e molti fra la popolazione sono d’accordo con lui e dicono che in fondo il killer fa del bene.
 
Tutti i personaggi sono presentati con le loro sfaccettature, le prostitute, la giornalista, l’omicida, in modo da guardare la vicenda da diversi punti di vista. Saeed ha la sua vita normale di lavoro e di famiglia, ha tre figli e una graziosa moglie giovane, qualche problema di rapporti con i suoceri, alcuni amici e un disagio dovuto al ritorno dalla guerra. Poi si trasforma quando entra in azione. Al suo amico, compagno nella guerra, che si accorge che qualcosa lo turba, dice: “Nella guerra molti sono morti o tornati feriti e mutilati, come martiri, io neanche un graffio. Perché? Sento il bisogno di fare qualcosa che dia un senso alla mia vita”.
Sullo sfondo, ma onnipresente e tema centrale è la concezione delle donne nella società iraniana, la loro disumanizzazione.
La regia è attenta e curata nei dettagli, l’ambientazione ricostruisce l’atmosfera delle strade di quartieri malfamati di una città iraniana, anche se è stato girato in Giordania, perché il regista non ha avuto il permesso di girare in Iran (e neanche in Turchia). Il film è sostenuto da una recitazione di qualità, soprattutto l’interpretazione sobria ma intensa ed efficace di Zahra Amir Ebrahimi (premiata a Cannes), e quella di Mehdi Bajestani, che riesce a trasformarsi nelle due facce del suo personaggio, omicida seriale e buon padre di famiglia.
 
Il film uscirà nelle sale il 16 febbraio.”

Ecco la recensione del nostro inviato speciale Ugo Besson:
 
“Il vostro inviato è andato all’anteprima stampa del film “Si, chef! – La brigad”, di Louis-Julien Petit, con Audrey Lamy e François Cluzet, che uscirà nelle sale il 7 dicembre. È un film di cuochi, immigrati e buoni sentimenti, una commedia sociale piacevole e commovente, che richiama temi importanti e situazioni dolorose, sfiorando la retorica ma senza caderci, mantenendo l’equilibrio fra il sorriso e il dramma. Louis-Julien Petit dopo “Le invisibili” torna ad occuparsi di situazioni di emarginazione, confermando Audrey Lamy come attrice principale, accanto a François Cluzet, ben noto per la sua interpretazione in “Quasi amici”.
 
Cathy Marie è una cuoca di alto livello, che lavora in un rinomato ristorante. Litiga con la chef, che è la star di un popolare programma televisivo sulla cucina, e si licenzia. Inizia a cercare un altro lavoro, risponde ad una inserzione allettante, ma arrivata sul posto scopre che si tratta di fare la cuoca in un centro di accoglienza per immigrati minorenni. Trova in cucina una organizzazione pasticciata e scadente, una situazione decisamente distante dal livello raffinato e lussuoso cui era abituata (come le dice il direttore, un bravo François Cluzet, “a loro piacciono le cose semplici, i ravioli al pomodoro, fagli quelli, a loro interessa la quantità, non la qualità”. “già perché sono immigrati non hanno diritto ad un cibo di qualità” ribatte lei). Pensa subito di andarsene, ma poi decide di restare per alcuni mesi, in attesa di realizzare il suo obiettivo di aprire un suo ristorante. Si lamenta col direttore, perché non può preparare da sola un pasto per tante persone e il direttore la invita a farsi aiutare da alcuni dei ragazzi, che ne sarebbero molto contenti. Ecco la svolta, Cathy si getta con entusiasmo ed energia crescenti nell’impresa di formare un gruppo di aiuto cuochi, una brigade, come dice il titolo francese, insegnando ai ragazzi le basi per una buona cucina. La questione si intreccia col problema della permanenza in Francia dei ragazzi, che rischiano l’espulsione appena maggiorenni (“Non credevo che fosse così difficile vivere in Francia, pensavo che qui tutto era possibile” dice uno dei ragazzi) e il racconto evolve con colpi di scena e sviluppi delle storie personali di alcuni ragazzi, fino al finale scoppiettante.
 
Il film è un po’ una favola moderna e attuale, con la fatina buona che cerca di salvare i ragazzini emigranti con cucchiai e pentole. È una commedia francese brillante, ben riuscita, dal buon ritmo, con bravi attori, che diverte, fa riflettere e commuove.”

Sentiamo la bella recensione del nostro inviato Ugo Besson che ha visto questo film in anteprima:
 
“Siamo a Parigi, Anaïs è giovane, sta finendo la sua tesi in letteratura, ha pochi soldi, fatica a pagare l’affitto ed è sempre in ritardo.
Il film inizia con Anaïs che esce di corsa da un fioraio con un mazzo di fiori in mano, Anaïs corre sempre, saltella, travolge e coinvolge, sfiora le cose, forse le accarezza, a volte le afferra o le getta via.
 
Mentre fa una cosa ne pensa un’altra, deborda, decide svelta, di lei ci si innamora subito. Rallenta solo quando incontra la madre, in un commovente episodio, ma subito ricomincia a correre. Incontra un uomo molto più grande di lei, Daniel (uno scialbo Denis Podalydès), inizia una storia con lui, e conosce la sua compagna Émilie (Valeria Bruni Tedeschi), un’affascinante scrittrice di successo, di cui sta leggendo un romanzo.
Sembrerebbe il classico triangolo, una coppia matura e la giovane amante, ma non è così, subito diventa centrale proprio la relazione fra le due donne, che trovano una profonda intesa, un’inattesa risonanza di sentimenti, interessi e modi di pensare.
 
L’incontro potrebbe essere un cambiamento nella vita delle due protagoniste. Le due donne sono come due aspetti che si contrastano e si completano, passione e pensiero, impulsività e equilibrio, fragilità e stabilità, oppure due età della stessa persona.
Lei è come un folletto e io come un albero, dice Valeria B-T nell’intervista alla presentazione del film, un folletto che stordisce e affascina, un albero ben radicato ma libero.
Émilie ha raggiunto un suo equilibrio, forse messo in discussione proprio dall’incontro con la giovane, Anaïs è forte ma fragile, come lei dice, “Sono troppo leggera, ho paura dell’infelicità, non voglio essere triste, non voglio che la vita mi schiacci”.
 
Il film è tutto centrato su Anais, che lo sostiene con la sua recitazione brillante e la sua simpatia travolgente, ma quando c’è, Valeria B-T riempie lo schermo e cattura l’attenzione, con la sua recitazione misurata e intensa e col suo modo da signora raffinata e da intellettuale sensibile.
Sullo sfondo, c’è la letteratura, che fra convegni, citazioni e libri, diventa protagonista, in un incrocio di passioni, fra scrittura e vita.
 
Il film si basa su una ricca sceneggiatura e una intensa recitazione, è una commedia gradevole e pungente che sollecita sensazioni piacevoli, sorrisi e riflessioni non banali.”

Sentiamo il parere di Ugo Besson che ha visto in anteprima questo film:
 
“Il vostro inviato è andato all’anteprima stampa del film “Il ritratto del duca” (The Duke), di Roger Michell (regista di Notting Hill), con Jim Broadbent e Helen Mirren, che uscirà nelle sale il 3 marzo.
Il film è tratto da una storia vera, anche se sembra incredibile. Siamo in Inghilterra, nel 1961, Kempton Bunton, 60 anni, vive a Newcastle con la moglie e i figli e ha rubato dalla National Gallery di Londra il Ritratto del Duca di Wellington, un dipinto di grande valore di Francisco Goya, che nasconde in un armadio.
Mentre la polizia dichiara che il furto è sicuramente l’opera “di una banda internazionale di professionisti del crimine”, “senz’altro un commando ben addestrato”, il nostro eroe si chiede cosa fare del prezioso quadro e i colpi di scena non mancheranno.
Tutto ruota attorno al protagonista, un personaggio eccentrico, che trascina simpatia, un pasticcione originale, che fa disperare la moglie (Helen Mirren) per le sue stramberie.
Mentre inventa nuove battaglie contro le ingiustizie e le prepotenze del potere, espone con ironia e leggerezza la sua filosofia sociale a difesa dei deboli, “sono come un Robin Hood”, pronuncia con un sorriso. È un combattente tranquillo per cause perse o disperate, un don Chisciotte, che vorrebbe fare “il bene di tutta l’umanità”, e “rendere il mondo un posto migliore”, e intanto si batte per non far pagare il canone tv alle persone anziane.
 
Lo svolgimento è vivace e piacevole, l’ambientazione dell’epoca è molto curata, nei colori e nei dettagli. Sono esilaranti alcune scene in tribunale, dove si scatena la personalità bizzarra del protagonista, che controbatte alle domande degli avvocati con comica leggerezza, non si sa se frutto di autentica ingenuità o abile finzione. “Lei dice che a Londra ha alloggiato vicino ad un negozio di secchi. Qual è esattamente l’indirizzo?”. “Perché vuole saperlo, ha bisogno di un secchio?”
La famiglia di Kempton Bunton è parte molto importante della vicenda, alcuni personaggi e situazioni sono un po’ prevedibili e tipizzati, c’è il figlio scapestrato e quello bravo e affettuoso, ma le schermaglie con la moglie costruiscono un duetto molto riuscito, con la brava Helen Mirren, e poi c’è il lutto non elaborato per la morte prematura della figlia, anzi la cui elaborazione attraversa tutto il film come sottofondo e motivazione di molti comportamenti.
 
Un po’ una bella favola di buoni sentimenti ma fondata su fatti reali, condotta con garbo e buon ritmo e ben recitata dal bravissimo protagonista.”